http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2061 Entrées d’index fr 0 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4711 “Full fathom five thy father lies, / Of his bones are coral made, / Those are pearls that were his eyes, / Nothing of him that doth fade, / But doth suffer a sea-change, / Into something rich and strange” (The Tempest, 1.2). In Shakespeare’s The Tempest, Ariel’s song conjures up a corpse transformed by the sea “into something rich and strange.” Likewise, in Toni Morrison’s ultimate novel God Help the Child, set in present-day California, Booker’s wave-like, italicized poetry “dissolves” the trauma of slavery “in a seaworld,” turning it into something bluesy: “You accepted like a beast of burden the whip of a stranger’s curse […] along with the scar it leaves […] a slim line drawn on a shore and quickly dissolved in a seaworld any moment when an equally mindless wave fondles it like the accidental touch of a finger on a clarinet stop” (Morrison 2015: 149-150).Like her aptly named Booker character (an avid reader, trumpetist, and experimental writer named after a former slave become advisor to several US presidents), Morrison not only wrote to recall the tragic times of the Afro-American community, but also to reclaim—after its appropriation by the mainstream—the music originally created by her people to transfigure the trauma. As Morrison confided in an interview, “There was a time when black people needed the music. Now that it belongs to everybody, black people need something else which is theirs. That’s what novels can do, what writing can do. I write in order to replicate the information, the medicine, the balm we used to find in music” (Bigsby 1992: 29). Morrison’s writing more than “replicates” the original musical “balm”: it uses the latter’s music and orality to dissolve the written word of the novel—an artform, consensus has it, of white European origin—, dismembering, remembering, decomposing and recomposing the black and white aesthetics, alchemizing them into “something else.” Morrison’s ultimate novel is her finest achievement in this regard, colouring the world as it does in a “rich and strange,” iridescent kind of blue which I propose to term “bluetopia” (my variation on the word “utopia,” from the Greek “no-place”). I would define “bluetopia” as an intersemiotic, unfathomable interval where the two aesthetics become alchemized as a result of their interplay. This paper is an approach in three movements of this bluetopia.The first movement will be devoted to the 21st century slave song flowing from God Help the Child, where black and white voices relay each other delivering first-person solos, in a collective effort to break their chains—somehow like a colour-blind and mixed blend of the Freudian talking cure, Aristotelian catharsis, and jazz jam sessions. The second movement will lend an attentive ear to the novel’s Orphic blues: like Orpheus’ severed head carried away by the river to an alien shore, Morrison’s dismembered characters keep singing to be re-membered and transfigured by waves of blue. The last movement will aim at detecting the “blue notes,” or “blue harmony” (as musicology qualifies them) incorporated by Morrison between her lines—a genuine feat as such notes are almost impossible to reproduce on a musical staff, let alone in a novel. À cinq brasses sous les eaux ton père est gisant, / Ses os sont changés en corail / Ses yeux sont devenus deux perles ; / Rien de lui ne s’est flétri. / Mais tout a subi dans la mer un changement / En quelque chose de riche et de rare. (La Tempête, Acte I scène 2). Dans La Tempête de Shakespeare, la chanson d'Ariel évoque un corps transformé par la mer « en quelque chose de riche et de rare ». De même dans Délivrances, ultime roman de Toni Morrison, dont l’action se déroule de nos jours en Californie, la poésie de Booker dissout et transforme le trauma de l'esclavage dans ses vagues à la fois teintées de blues et inspirées du monde aquatique.Tout comme Booker, passionné de lecture, de musique, et poète expérimental, Morrison écrivait non seulement pour évoquer le passé tragique de la communauté afro-américaine, mais aussi pour rendre ses notes de noblesse à une musique passée dans le mainstream : celle que ses ancêtres avaient créée pour sublimer l’horreur de l’esclavage. Comme le confiait Morrison dans un entretien, « il fut un temps où cette musique était vitale pour le peuple noir. Mais maintenant que tout le monde se l’est appropriée, nous avons besoin d’inventer autre chose qui nous appartienne. La forme romanesque peut nous y aider, et c’est pourquoi j’écris, afin de retrouver ce baume salvateur qu’était la musique de mes ancêtres. » L'écriture de Morrison ne se contente pas de « retrouver ce baume » : elle en extrait l’oralité et la musique pour y dissoudre la lettre du roman, forme artistique dont l’origine blanche européenne fait consensus, fusionnant les esthétiques noire et blanche afin de les recomposer en « quelque chose de riche et de rare ». Le plus bel exemple de cette alchimie nous est sans doute offert dans Délivrances, où le monde se teinte d’un blues aux mille et une nuances, est recomposé par l’artiste en utopie bleutée : un monde intersémiotique presqu’inatteignable, niché dans l’intervalle insondable où jouent et s’entremêlent les deux esthétiques. La présente étude propose une approche en trois mouvements de cette utopie bleutée.Le premier mouvement sera consacré au chant d’esclaves qui s’élève du roman, où se relayent à la première personne solistes noirs et blancs en un effort collectif pour briser leurs fers ; dans cet ensemble transculturel, la cure par la parole freudienne le dispute à la catharsis aristotélicienne et à l’improvisation des jazz sessions. Dans le deuxième mouvement, on prêtera une oreille attentive au blues orphique qui se dégage du texte : telle la tête coupée du musicien emportée par la rivière vers un rivage étranger, les personnages meurtris de Toni Morrison (re)trouvent leurs voix pour se réinventer. Dans le dernier mouvement de cette étude, on tâchera de détecter ce que l’écrivaine glisse entre ses lignes : des « notes bleues » — comme le diraient les musicologues — véritable gageure tant il est difficile, voire impossible, de les transcrire sur une portée musicale, d’autant plus dans un roman. mar., 09 juil. 2024 12:19:15 +0200 ven., 26 juil. 2024 16:10:33 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4711 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2733 La poésie de Lotte Kramer, Britannique d'origine allemande et juive, se fait le plus souvent retour sur une histoire collective et personnelle marquée par les traumatismes et le chaos de la guerre. Tout au long des poèmes surgissent des figures musicales multiples qui, tout en fournissant un ancrage substantiel à la démarche mémorielle, éclairent le rapport spécifique et intime de l'auteur à la musique dont les pouvoirs se dessinent avec clarté. Voix résurgentes de l'enfance, nombreuses œuvres musicales et réminiscences de musiciens (compositeurs ou instrumentistes happés par le destin) se fondent ainsi dans la structure et la texture de l'ensemble, devenant le véritable moteur de l'investigation de soi qui est au centre de l'écriture. The poetry of English-speaking authoress Lotte Kramer, of German-Jewish origin, mostly recaptures a whole collective and individual history stamped with the traumatic and chaotic impact of the war. The poems are teeming with a variety of musical figures that both provide a substantial anchoring for memory and throw light on the specific, intimate relationship between the writer and music whose powers are clearly outlined. Echoing voices from childhood and a number of musical works and images of musicians (either instrumentalists or composers caught by fate) blend into the structure and texture of the poems, turning into the ultimate self-searching device that is at the core of the writing. lun., 18 mai 2020 15:05:20 +0200 mer., 01 juil. 2020 10:40:06 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2733 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2129 Cette étude portera sur l’ouvrage Casa de sombras (2013), fruit de la collaboration du poète José Mármol et du photographe Herminio Alberti, tous deux Dominicains. Le livre se partage à égalité entre poèmes et photographies qui, toutes, font référence à la maison du dictateur Rafael Trujillo qui régna par la terreur sur Saint-Domingue de 1930 à 1961. Le rapport étroit entre les deux formes artistiques et le dispositif qui les associe sera l’objet de nos analyses. Vestige sur les hauteurs de Saint-Domingue, la maison renferme à jamais les vies détruites, les cris réduits au silence (physiquement et socialement). Vers et photographies en noir et blanc s’accordent et recomposent ce vertige d’effrois engloutis dans les ruines. L’hommage poétique y est constant et il s’appuie sur les échos renvoyés par les pierres désormais nues, et cependant investies d’une fonction essentielle de témoignage. This article will study the collaborative work of Dominican poet José Mármol and photographer Herminio Alberti Casa de sombras (2013). The book equally displays poems and photographs which all depict the house of dictator Rafael Trujillo whose reign of terror lasted from 1930 to 1961. We shall analyze the close relationship between these two artistic forms and their association.The remains of this house - in the hills above Saint-Domingue – are the testimonies of lives forever shattered, and screams physically and socially silenced. Poetry lines and black and white photographs superimpose and help recompose this overwhelming horror the ruins have entombed. The poetical homage is omnipresent and relies on the echoes radiating from the wall stones – though now bared and exposed, they are given a crucial testimonial role. mar., 30 avril 2019 14:49:47 +0200 mar., 21 mai 2019 16:35:32 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2129 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2117 Cet article s’intéresse aux ratures et réécritures que l’on découvre dans les dactyloscrits des « Playas de Chile » (Anteparaíso) du poète chilien Raúl Zurita. Nous réfléchissons sur la volonté du poète d’alléger ou de compléter le texte tout comme sur le souci de précision manifesté par l’auteur ; nous nous penchons aussi sur la présence d’un Chili-pays et d’un Chili-patrie raturés ainsi que sur la mobilité du texte engendrée par ces retouches. Les ratures signifient-elles pour autant silence expressif et interprétatif ? This article examines the crossings-out and rewritings present in the typescripts of the “Playas de Chile” (Anteparaíso) written by the Chilean poet Raúl Zurita. We study the poet’s desire to lighten or complete the text, the wish of precision that the author reveals and the striked out Chile-country and Chili-fatherland as well as the mobility of the text obtained in this way. Do these crossings-out mean expressive and interpretative silence? mar., 30 avril 2019 14:40:03 +0200 mar., 21 mai 2019 10:17:04 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2117 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2141 En faisant dialoguer une sélection de photographies en noir et blanc de Pía Elizondo et de poèmes de Coral Bracho, deux artistes mexicaines d’aujourd’hui, nous proposons d’interroger les textures et formes bruissantes en acte dans l’objet photopoétique a priori silencieux. En dépit de leur technicité propre, ces expressions esthésiques engagent en convergence regard et écoute : mots, rythmes, images de lumière et d’ombre configurent des paysages d’affleurements, de résonances fugaces ou durables, des territoires d’intensités et posent ainsi le problème de la figurabilité du silence et de sa circulation dans le sensible. Jouant ici avec la précarité des limites du voir et du dire, toujours en tension avec ce qui leur échappe, photographie et poème tour à tour taisent, suspendent son et sens, ou bien se risquent ailleurs. By making a dialogue between a selection of Pía Elizondo's black-and-white photographs and Coral Bracho's poems, we propose to question the textures and rustling forms in action in the photo-poetic object a priori silent. In spite of their own technicality, these esthesic expressions engage in converging gaze and listening: words, rhythms, images of light and shadow configure landscapes of outcrops, fleeting or lasting resonances, intensities territories and thus pose the problem of the figurability of silence and its circulation in the sensitive material. Playing here with the precarious limits of seeing and saying, always in tension with what escapes them, photography and poem alternately quiet, suspend sound and sense, or risk themselves elsewhere. mar., 30 avril 2019 14:59:17 +0200 mar., 21 mai 2019 10:16:07 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2141