http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2620 Entrées d’index fr 0 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4761 James Joyce’s enthusiasm for music is proverbial, not to mention the long-acknowledged importance of music that is at the core of his creative process. His works are replete with references to Opera, classical music and song. The way Joyce deploys language denotes the temporal dissonance of modernity while evoking a disjunction with the past. James Joyce’s Finnegans Wake (1939) could well be viewed as a musical composition in its own right. In Finnegans Wake, nostalgia expresses the impossibility of a mythical return to the prelapsarian unity of time and space. The dissonant clatter in Joyce’s Wake signals the break with that previous state of harmony. Joyce’s last novel oozes with an awareness in every word and phrase, in every rhythm and pause. The aural dimension of the words questions the status of language itself as the written text makes audible the dissonance that is at the core of a once harmonious cultural landscape. Furthermore, Joyce was deeply concerned with the musicality of the word that enabled him to play on the non-lexical properties of music. Following Ezra Pound—who believed that the poet’s duty was to learn music—and Ludwig Wittgenstein for whom reading was like listening to music, the present paper will first attempt to tease out some of the musical fragments, allusions, references and structures in Joyce’s novel, before pointing to music as both a modality of self-reflexivity and a mirror of the historical moment in which he produced his work of art. L’intérêt de James Joyce pour la musique est proverbial, et il va sans dire qu’elle joue un rôle central dans son processus créatif. Ses œuvres regorgent de références à l'opéra, à la musique classique et à la chanson populaire. Joyce y déploie un langage qui met en lumière la dissonance temporelle de la modernité évoquant ainsi une disjonction avec le passé. Finnegans Wake (1939) peut d’ailleurs être considéré comme une composition musicale à part entière. Dans cet ultime roman, la nostalgie exprime l'impossibilité d'un retour mythique à l'unité du temps et de l'espace prélapsaires. Le fracas dissonant du Wake signale la rupture avec cet état antérieur d’une harmonie désormais disparue. Le texte est imprégné d'une conscience perceptible dans chaque mot, chaque phrase, chaque rythme et chaque pause. La nature auditivo-phonique des mots remet en question le statut même du langage, dans la mesure où le texte écrit rend audible cette dissonance qui est située au cœur d'un paysage culturel autrefois harmonieux. Joyce était profondément préoccupé par la musicalité des mots qui lui permettait de recréer les propriétés non lexicales de la musique et d’en jouer à travers le texte écrit du roman. À la suite d'Ezra Pound, qui estimait que le devoir du poète était d'apprendre la musique, et de Ludwig Wittgenstein, pour qui la lecture s’apparentait à l’écoute musicale, notre article tentera tout d'abord d'identifier certains fragments, allusions, références et structures musicales dans le roman de Joyce, avant de montrer comment la musique y est à la fois l’expression d’une modalité, d’un désir d’autoréflexivité et un miroir du contexte historique dans lequel le romancier irlandais a produit son œuvre. mar., 09 juil. 2024 14:57:41 +0200 ven., 26 juil. 2024 16:18:33 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4761 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4831 In The Merchant of Venice, music is perceived both mentally through the words alluding to it – literally or metaphorically – and from the sounds of the words – through resounding rhetorical forms and the musicality of language. These musical encounters address the memory of the characters and audience alike, reviving traumatic experiences or reminding them of joyous events. In addition, the characters’ lines are environed by songs and instrumental music, psychically inspiring and contributing to reach a desired and universal harmony, as recorded in classical texts.This paper offers close readings of the musical and rhetorical strategies at work in the play’s text (as well as in some recent performances) to shed light on the ways in which music is embedded in the play and stimulates memorization processes. At the same time, it shows how Shakespeare’s play serves as a reminder of Early Modern social and religious issues tied in to the understanding of music and its practices. Dans Le Marchand de Venise, la musique apparaît à la fois dans les mots qui y font allusion – de manière directe ou métaphorique – et dans les sonorités des mots – à travers des figures rhétoriques résonantes et par la musicalité du langage. Ces types de rencontres musicales s’adressent à la mémoire des personnages aussi bien qu’à celle du public, ravivant des expériences traumatiques ou rappelant des évènements joyeux. De plus, les paroles des personnages sont entourées de chansons et de musique instrumentale, qui inspirent psychiquement et contribuent à atteindre une harmonie désirée et universelle, comme mentionné dans les textes classiques.Cet article met en œuvre une lecture rapprochée des stratégies musicales et rhétoriques du texte de la pièce (et auxiliairement dans quelques mises en scène récentes), pour mettre en lumière les manières dont la musique est intégrée dans la pièce et permet de stimuler les processus de mémorisation. Il montre aussi comment la pièce de Shakespeare se fait mémoire de questions sociales et religieuses de la première modernité liées aux conceptions et pratiques musicales. mar., 09 juil. 2024 16:50:18 +0200 ven., 26 juil. 2024 11:56:46 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4831 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4841 Dans le théâtre de Shakespeare, quatre scènes montrent l’expérience intime du temps et de la mort comme corollaires de l’expérience musicale. Une lecture intertextuelle de Shakespeare et de Saint Augustin donne à ces scènes, et en particulier à la scène 5 du cinquième acte de Richard II, une dimension phénoménologique, très éloignée de la doxa platonicienne/boétienne en vigueur à la renaissance. In Shakespeare’s drama, four scenes focus on the intimate experience of time and death as corollaries of musical experience, more especially Richard II act V scene 5. An intertextual reading of Shakespeare and Augustine provides a phenomenological approach, distinct from the Renaissance Boetian/Platonic model. mar., 09 juil. 2024 16:52:40 +0200 jeu., 11 juil. 2024 12:10:57 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4841 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4825 The function of music in a number of the films directed by Alfred Hitchcock during his time in Hollywood has been widely explored, especially with regard to his collaboration with composer Bernard Herrmann, who wrote the music for such films as Vertigo (1958), North by Northwest (1959) and Psycho (1960). However, even in Hitchcock’s early British movies, it is clear that care was given to the ways in which music was employed within the filmic narratives. This article focuses on the use of diegetic music, i.e., the music that can be heard by the characters in a movie, in two of Hitchcock’s British films, namely The 39 Steps (1935) and The Lady Vanishes (1938). Both of the storylines are based upon novels, yet neither book features music as one of its themes. The function and impact of certain diegetic melodies in the filmed versions of both stories is therefore of particular interest. I argue that the relationship between music and memory in the two films is crucial within the narratives, not only in the way the stories are presented and linked to main characters, but also with regard to how the strands of the plots are drawn together at the end of each movie. As I exemplify, in each case, the connection between the diegetic melodies I discuss, and the remembrance of this music by a main character, proves to be an important and elucidating theme within the films. La fonction de la musique dans nombre de films réalisés par Alfred Hitchcock au cours de sa période hollywoodienne a été étudiée en détail, surtout en ce qui concerne sa collaboration avec le compositeur Bernard Hermann, qui a écrit la musique de films comme Sueurs froides (1958), La Mort aux Trousses (1959) et Psychose (1960). Cependant, il est clair que déjà, dans ses films britanniques, Hitchcock était très attentif à la façon dont la musique pouvait être intégrée au récit filmique. Le présent article s’intéresse à la musique diégétique, c’est-à-dire la musique entendue par les personnages, dans deux des films britanniques d’Hitchcock, à savoir Les 39 marches (1935) et Une femme disparaît (1938). Les deux intrigues sont tirées de romans, mais aucun de ces deux romans ne parle de musique. La fonction et l’effet de certaines mélodies diégétiques présentent donc un intérêt particulier. J’avance que l’articulation entre musique et mémoire, pour ces deux films, joue un rôle crucial dans l’agencement du récit, non seulement parce qu’elle permet d’introduire les événements et de les mettre en relation avec les personnages, mais aussi parce qu’elle permet de rassembler les différents fils de l’intrigue à la fin de chaque film. Comme je le montrerai, le lien entre une mélodie diégétique et sa remémoration émerge comme un thème central, grâce au pouvoir d’élucidation que lui confèrent ces deux intrigues. mar., 09 juil. 2024 16:44:37 +0200 jeu., 11 juil. 2024 09:46:51 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4825 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4769 In the eleventh episode of James Joyce’s Ulysses, “Sirens,” Joyce displays a mastery of musical and memory-based narrative by breaking the rhetorical wall and composing the reader into the text. Through the structure and style of the episode, the reader assumes the role of Odysseus; they are bound to the ship’s mast (parallel processing), secured by the rope (aesthetic of delay/parallax), and seduced by the Sirens (music and memory). Analyzing the reader as a character integrated into the text helps us identify new cognitive and literary relationships between the reader and musically driven writing techniques. These uncoverings are apparent through an examination of how the episode’s first sixty-three lines work in relation to the rest of the episode, and how “Sirens” works in relation to the rest of the book. It becomes imperative for the reader to engage elastically with the text in order to gain the full context of provided references and meaning. Additionally, I explore how Joyce’s use of local and nonlocal repetitions of details work in relation to linear and nonlinear cognitive interpretation.Utilizing Hugh Kenner’s concept of the “aesthetic of delay” and Patrick Colm Hogan’s studies of parallel processings, I will explicate the indivisible relationship between the role of music and memory within the episode, consequently displaying how rhetorical interplay is thus produced between reader and text. Through Joyce’s use of textual echoes set to melodic architecture, the reader befits a metaphysical parody of Odysseus and sails through a sea of Sirens on their own hero’s journey home. Résumé: Dans le onzième épisode (dit des « Sirènes ») d’Ulysse, de James Joyce, l’auteur démontre sa maitrise de la narration musicale et mémorielle en brisant le mur rhétorique et en inscrivant le lecteur dans le texte. À travers la structure et le style de cet épisode, le lecteur est projeté dans le rôle d’Ulysse : il est attaché au mât du navire (traitement en parallèle), fixé par une corde (esthétique du différé / parallaxe), et envoûté par les sirènes (musique et mémoire). Le fait d’interpréter le lecteur comme un personnage intégré dans le texte nous permet de déceler de nouvelles relations cognitives et littéraires entre le lecteur et un texte caractérisé par des techniques d’écriture d’inspiration musicale. Ces nouvelles modalités de lecture se révèlent à travers l’étude du rôle des soixante-trois premières lignes dans la construction de l’épisode dans son ensemble, et du rôle des « Sirènes » dans la construction de l’œuvre dans son ensemble. Le lecteur doit alors impérativement adopter une attitude élastique afin d’accéder au contexte complet des allusions et des connotations. De plus, j’étudie la façon dont le caractère local ou non-local des répétitions se traduit par la linéarité ou non-linéarité de l’interprétation cognitive. À l’aide du concept de « l’esthétique du différé » formulé par Hugh Kenner, et de l’étude du « traitement en parallèle » réalisée par Patrick Colm Hogan, je mettrai en évidence le lien indivisible entre le rôle de la musique et celui de la mémoire à l’intérieur de l’épisode des « Sirènes », ce qui me mènera à montrer comment un jeu de nature rhétorique s’établit entre le lecteur et le texte. À travers la mise en musique d’échos textuels que réalise Joyce à travers l’architecture de cet épisode, le lecteur endosse le rôle de parodie métaphysique d’Ulysse, et vogue à travers une mer peuplée de Sirènes nageant vers leur propre port d’attache. mar., 09 juil. 2024 15:00:41 +0200 jeu., 11 juil. 2024 08:22:34 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4769 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=3714 Cet article s’intéresse à la question de la couleur dans les représentations littéraires de compositions musicales en littérature anglophone. La représentation littéraire de la musique semble intrinsèquement liée aux phénomènes de spatialisation et de visualisation de la musique, tels que l’audition colorée. Il s’agit de transformations imaginaires qui confèrent à la musique une certaine picturalité. Cet article démontre que l’analyse de l’inscription de la musique dans les textes est, de ce fait, surtout affaire d’analyse des effets de picturalité produits dans les textes littéraires. D’abord, il est question du phénomène de visualisation du sonore. Dans un deuxième temps, l’article se penche sur les figures de style associées à la picturalité de la musique en littérature (hypotypose/hypallage). Enfin, l’article examine les notions de paysage musical et de paysage musicalisé. This article deals with the concept of colour in literary representations of musical compositions in texts in English. Literary depictions of music are usually conveyed in a spatial and visual way, only to mention synesthesia. Literary texts present us with imaginary transformations of music which give us a sense of pictorial rather than auditory representation. This paper aims to demonstrate that any examination of literary portrayal of music might rely on an analysis of the pictorial effects used to describe music compositions. First, the paper tackles the problem of the visual representation of music in literature. Secondly, the article focuses on stylistic devices related to such visual depictions of music (hypotyposis/hypallage). Finally, the concepts of musical landscape and musicalized landscape are presented. ven., 01 juil. 2022 15:22:06 +0200 mer., 25 janv. 2023 12:55:16 +0100 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=3714 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2651 Cet article se propose d’examiner tour à tour les romans Une rue à Moscou (Sivtzev vrajek) de Mikhaïl Ossorguine, Tchevengour d’Andreï Platonov et Le Maître et Marguerite de Mikhaïl Boulgakov. Dans ces fictions de la Russie soviétique aux registres très variés, une place est laissée à la musique. Cette place est parfois ténue, mais souvent révélatrice de la manière dont l’art des sons peut rencontrer la grande Histoire, inscrire sa propre histoire dans celle – plus vaste – des hommes, et ainsi l’explorer, l’interroger, la raconter. This paper aims to investigate the following novels: Quiet street (Sivtzev vrajek) by Mikhail Osorgin, Tchevengour by Andrei Platonov, and The Master and Margarita by Mikhail Bulgakov. Even though these fictional works of Soviet Russia offer various registers, they all involve music to some degree. Whether substantial or not, the part played by music reveals how it may blend into History so as to write its own story within the bigger story of mankind which it ultimately explores, questions and narrates. mar., 07 avril 2020 13:39:37 +0200 jeu., 02 juil. 2020 11:17:36 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2651 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2618 Le Roman inachevé est le creuset des premières et des plus durables adaptations en chansons des poèmes d’Aragon. Mais cette œuvre n’est pas seulement du bois dont on fait les chansons : elle fait aussi entendre, à bien des endroits, sa propre bande sonore et tient elle-même un discours sur la chanson : métaphore parfois de la vie, la chanson reçoit les mêmes hommages que le noble chant poétique. Le Roman inachevé is the source of the first and most enduring adaptations of Aragon's poems into songs. But this book is not only wood from which songs are made: it also makes its own soundtrack heard in many places and also holds a speech about the song: sometimes a metaphor for life, the song receives the same tributes as the noble poetic song. mar., 07 avril 2020 10:12:07 +0200 mer., 01 juil. 2020 10:41:21 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2618 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2733 La poésie de Lotte Kramer, Britannique d'origine allemande et juive, se fait le plus souvent retour sur une histoire collective et personnelle marquée par les traumatismes et le chaos de la guerre. Tout au long des poèmes surgissent des figures musicales multiples qui, tout en fournissant un ancrage substantiel à la démarche mémorielle, éclairent le rapport spécifique et intime de l'auteur à la musique dont les pouvoirs se dessinent avec clarté. Voix résurgentes de l'enfance, nombreuses œuvres musicales et réminiscences de musiciens (compositeurs ou instrumentistes happés par le destin) se fondent ainsi dans la structure et la texture de l'ensemble, devenant le véritable moteur de l'investigation de soi qui est au centre de l'écriture. The poetry of English-speaking authoress Lotte Kramer, of German-Jewish origin, mostly recaptures a whole collective and individual history stamped with the traumatic and chaotic impact of the war. The poems are teeming with a variety of musical figures that both provide a substantial anchoring for memory and throw light on the specific, intimate relationship between the writer and music whose powers are clearly outlined. Echoing voices from childhood and a number of musical works and images of musicians (either instrumentalists or composers caught by fate) blend into the structure and texture of the poems, turning into the ultimate self-searching device that is at the core of the writing. lun., 18 mai 2020 15:05:20 +0200 mer., 01 juil. 2020 10:40:06 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2733 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2640 La critique littéraire a consacré beaucoup de pages à l’étude de la voix dans l’œuvre de Louis-René des Forêts. La nouvelle « Les grands moments d’un chanteur » est souvent lue comme « une allégorie de l’inspiration » (D. Rabaté) et une réflexion métatextuelle sur la littérature, au même titre que les autres nouvelles du recueil auquel elle s’intègre, La Chambre des enfants. L’objectif de cet article est de montrer que cette nouvelle, écrite par un véritable mélomane, gagne à être lue comme une mélofiction, c’est-à-dire une œuvre qui se donne comme une fiction sur la musique, sur ses caractéristiques, et, s’agissant ici d’opéra, sur le rapport de la musique à la voix et au corps. Literary criticism has devoted many pages to the study of the voice in the work of Louis-René des Forêts. The short story "The Great Moments of a Singer" is often read as "an allegory of inspiration" (D. Rabaté) and a metatextual reflection on literature, just like the other short stories of The Children's Room. This article is to show that this short story, written by a true music lover, is worth reading as a melofiction, that is to say a fiction on the music, and, being here opera, on the relationship of music to voice and body. mar., 07 avril 2020 13:04:34 +0200 mer., 01 juil. 2020 10:38:36 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2640