http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=481 Entrées d’index fr 0 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=5208 La série TV Patria, sortie récemment en Espagne et en France (HBO 2020), propose un récit complexe et nuancé de ce que fut le terrorisme d’ETA au Pays basque espagnol. Adaptation fidèle du roman éponyme de Fernando Aramburu (2016), cette série se caractérise par sa contre-discursivité dans la mesure où elle présente le terrorisme etarra comme une guerre civile entre Basques et non plus, comme l’affirme la gauche abertzale, comme un conflit entre les Basques et les États espagnol et, dans une moindre mesure, français. Notre article propose une analyse des singularités de cette série vis-à-vis du roman de Fernando Aramburu et vise, principalement, à mettre en évidence son inscription dans le champ discursif des discours mémoriels sur la violence politique au Pays basque. La série présente une vision centrée sur les victimes de la violence mais a également recours à une humanisation partielle de la figure du terroriste au nom de la possibilité du pardon et de la réconciliation collective. The TV series Patria, recently released in Spain and France (HBO 2020), offers a complex and balanced account of ETA terrorism in the Spanish Basque Country. A faithful adaptation of the novel of the same name by Fernando Aramburu (2016), the series is characterised by its counter-discursivity insofar as it presents ETA terrorism as a civil war between Basques and not, as proposed by the abertzale left, as a conflict between Basques and the Spanish and, to a lesser extent, French state. Our article analyses the singularities of this series in relation to Fernando Aramburu’s novel, and aims primarily to highlight its place in the discursive field of memorial discourses on political violence in the Basque Country. The series offers a vision centred on the victims of violence, but also presents a partial humanisation of the figure of the terrorist in the name of the possibility of forgiveness and collective reconciliation. La serie de televisión Patria, recientemente estrenada en España y Francia (HBO 2020), ofrece un relato complejo y matizado del terrorismo de ETA en el País Vasco español. Adaptación fiel de la novela homónima de Fernando Aramburu (2016), la serie se caracteriza por su contradiscursividad en la medida en que presenta el terrorismo de ETA como una guerra civil entre vascos y no, como propone la izquierda abertzale, como un conflicto entre vascos y los Estados español y, en menor medida, francés. Nuestro artículo analiza las singularidades de esta serie en relación con el relato de Fernando Aramburu, y pretende ante todo destacar su forma de inscribirse en el campo de los discursos memoriales sobre la violencia política en el País Vasco. La serie ofrece una visión centrada en las víctimas de la violencia, pero también propone una humanización parcial de la figura del terrorista en nombre de la posibilidad del perdón y de la reconciliación colectiva. jeu., 20 févr. 2025 10:35:59 +0100 lun., 03 mars 2025 10:21:34 +0100 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=5208 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=478 La chaîne de télévision publique italienne Rai3 a produit et diffusé trois documentaires sur l’émigration des Italiens - Emigranti (2001), Pane amaro (2007) et Polenta e macaroni (2010) - dans le cadre de son émission grand public La grande storia. Cet article met en lumière les différents enjeux qui ont contribué à la construction de la mémoire proposée par ces productions télévisuelles. Il examine notamment les différentes modalités d’incidence des nouveaux phénomènes migratoires sur la genèse, la réalisation, la réception et les usages de ces réécritures audiovisuelles de l’histoire. As a part of the general audience program La grande storia, Italian public television channel Rai3 produced and broadcasted three documentaries about the history of Italian migration: Emigranti (2001), Pane amaro (2007) and Polenta e macaroni (2010). This article bring into focus the different issues that have contributed to the construction of memory proposed by those TV productions. In particular, it looks at the means in which new migrations, in different ways, have impacted the genesis, direction, reception and uses of those audio-visual representations of migrant history. mar., 21 nov. 2017 16:50:05 +0100 ven., 30 août 2024 10:54:24 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=478 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=1435 Cet article se propose d’entreprendre une relecture d’un texte longtemps considéré comme marginal à l’intérieur de l’œuvre canettienne. Mon approche part du constat que ce livre, malgré son apparente facilité, est une œuvre complexe, ouverte, et non dépourvue d’ambiguïtés. Comme récit de voyage et rencontre interculturelle, il met en évidence toute une série de problèmes qui possèdent une grande profondeur historique, en même temps qu’une actualité parfois brûlante. En examinant l’appartenance du texte au genre viatique, en interrogeant son inscription dans la problématique de l’orientalisme, en décrivant ses liens avec les autres œuvres de l’auteur, il s’agira d’entreprendre une redéfinition des Voix de Marrakech comme réseau mémoriel transculturel. This paper aims at proposing a new reading of a text that was long considered marginal within the works of Canetti. My approach is based on the observation that this book, despite its apparent simplicity, is a complex, open, and even ambiguous work. As a travelogue and an intercultural encounter, the novel is touching upon a wide range of issues that have great historical depth while at the same time being of great topical concern. By examining the text’s belonging to the genre of travel literature, by questioning it’s inclusion in the issues of orientalism, by describing its relationship with the other works of the author, I will try to redefine The Voices of Marrakesh as a transcultural memory network. lun., 18 déc. 2017 15:16:04 +0100 mer., 28 août 2024 09:40:12 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=1435 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4841 Dans le théâtre de Shakespeare, quatre scènes montrent l’expérience intime du temps et de la mort comme corollaires de l’expérience musicale. Une lecture intertextuelle de Shakespeare et de Saint Augustin donne à ces scènes, et en particulier à la scène 5 du cinquième acte de Richard II, une dimension phénoménologique, très éloignée de la doxa platonicienne/boétienne en vigueur à la renaissance. In Shakespeare’s drama, four scenes focus on the intimate experience of time and death as corollaries of musical experience, more especially Richard II act V scene 5. An intertextual reading of Shakespeare and Augustine provides a phenomenological approach, distinct from the Renaissance Boetian/Platonic model. mar., 09 juil. 2024 16:52:40 +0200 jeu., 11 juil. 2024 12:10:57 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4841 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4825 The function of music in a number of the films directed by Alfred Hitchcock during his time in Hollywood has been widely explored, especially with regard to his collaboration with composer Bernard Herrmann, who wrote the music for such films as Vertigo (1958), North by Northwest (1959) and Psycho (1960). However, even in Hitchcock’s early British movies, it is clear that care was given to the ways in which music was employed within the filmic narratives. This article focuses on the use of diegetic music, i.e., the music that can be heard by the characters in a movie, in two of Hitchcock’s British films, namely The 39 Steps (1935) and The Lady Vanishes (1938). Both of the storylines are based upon novels, yet neither book features music as one of its themes. The function and impact of certain diegetic melodies in the filmed versions of both stories is therefore of particular interest. I argue that the relationship between music and memory in the two films is crucial within the narratives, not only in the way the stories are presented and linked to main characters, but also with regard to how the strands of the plots are drawn together at the end of each movie. As I exemplify, in each case, the connection between the diegetic melodies I discuss, and the remembrance of this music by a main character, proves to be an important and elucidating theme within the films. La fonction de la musique dans nombre de films réalisés par Alfred Hitchcock au cours de sa période hollywoodienne a été étudiée en détail, surtout en ce qui concerne sa collaboration avec le compositeur Bernard Hermann, qui a écrit la musique de films comme Sueurs froides (1958), La Mort aux Trousses (1959) et Psychose (1960). Cependant, il est clair que déjà, dans ses films britanniques, Hitchcock était très attentif à la façon dont la musique pouvait être intégrée au récit filmique. Le présent article s’intéresse à la musique diégétique, c’est-à-dire la musique entendue par les personnages, dans deux des films britanniques d’Hitchcock, à savoir Les 39 marches (1935) et Une femme disparaît (1938). Les deux intrigues sont tirées de romans, mais aucun de ces deux romans ne parle de musique. La fonction et l’effet de certaines mélodies diégétiques présentent donc un intérêt particulier. J’avance que l’articulation entre musique et mémoire, pour ces deux films, joue un rôle crucial dans l’agencement du récit, non seulement parce qu’elle permet d’introduire les événements et de les mettre en relation avec les personnages, mais aussi parce qu’elle permet de rassembler les différents fils de l’intrigue à la fin de chaque film. Comme je le montrerai, le lien entre une mélodie diégétique et sa remémoration émerge comme un thème central, grâce au pouvoir d’élucidation que lui confèrent ces deux intrigues. mar., 09 juil. 2024 16:44:37 +0200 jeu., 11 juil. 2024 09:46:51 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4825 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4769 In the eleventh episode of James Joyce’s Ulysses, “Sirens,” Joyce displays a mastery of musical and memory-based narrative by breaking the rhetorical wall and composing the reader into the text. Through the structure and style of the episode, the reader assumes the role of Odysseus; they are bound to the ship’s mast (parallel processing), secured by the rope (aesthetic of delay/parallax), and seduced by the Sirens (music and memory). Analyzing the reader as a character integrated into the text helps us identify new cognitive and literary relationships between the reader and musically driven writing techniques. These uncoverings are apparent through an examination of how the episode’s first sixty-three lines work in relation to the rest of the episode, and how “Sirens” works in relation to the rest of the book. It becomes imperative for the reader to engage elastically with the text in order to gain the full context of provided references and meaning. Additionally, I explore how Joyce’s use of local and nonlocal repetitions of details work in relation to linear and nonlinear cognitive interpretation.Utilizing Hugh Kenner’s concept of the “aesthetic of delay” and Patrick Colm Hogan’s studies of parallel processings, I will explicate the indivisible relationship between the role of music and memory within the episode, consequently displaying how rhetorical interplay is thus produced between reader and text. Through Joyce’s use of textual echoes set to melodic architecture, the reader befits a metaphysical parody of Odysseus and sails through a sea of Sirens on their own hero’s journey home. Résumé: Dans le onzième épisode (dit des « Sirènes ») d’Ulysse, de James Joyce, l’auteur démontre sa maitrise de la narration musicale et mémorielle en brisant le mur rhétorique et en inscrivant le lecteur dans le texte. À travers la structure et le style de cet épisode, le lecteur est projeté dans le rôle d’Ulysse : il est attaché au mât du navire (traitement en parallèle), fixé par une corde (esthétique du différé / parallaxe), et envoûté par les sirènes (musique et mémoire). Le fait d’interpréter le lecteur comme un personnage intégré dans le texte nous permet de déceler de nouvelles relations cognitives et littéraires entre le lecteur et un texte caractérisé par des techniques d’écriture d’inspiration musicale. Ces nouvelles modalités de lecture se révèlent à travers l’étude du rôle des soixante-trois premières lignes dans la construction de l’épisode dans son ensemble, et du rôle des « Sirènes » dans la construction de l’œuvre dans son ensemble. Le lecteur doit alors impérativement adopter une attitude élastique afin d’accéder au contexte complet des allusions et des connotations. De plus, j’étudie la façon dont le caractère local ou non-local des répétitions se traduit par la linéarité ou non-linéarité de l’interprétation cognitive. À l’aide du concept de « l’esthétique du différé » formulé par Hugh Kenner, et de l’étude du « traitement en parallèle » réalisée par Patrick Colm Hogan, je mettrai en évidence le lien indivisible entre le rôle de la musique et celui de la mémoire à l’intérieur de l’épisode des « Sirènes », ce qui me mènera à montrer comment un jeu de nature rhétorique s’établit entre le lecteur et le texte. À travers la mise en musique d’échos textuels que réalise Joyce à travers l’architecture de cet épisode, le lecteur endosse le rôle de parodie métaphysique d’Ulysse, et vogue à travers une mer peuplée de Sirènes nageant vers leur propre port d’attache. mar., 09 juil. 2024 15:00:41 +0200 jeu., 11 juil. 2024 08:22:34 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4769 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4695 The relations between the two concepts are examined through a single topos, mourning, which the three films have in common. Huston’s film follows Joyce’s key scene in which a voice which is heard singing a ballad has an emotional impact on the heroine by awakening her memory of her dead lover. Lubitsch uses a similar device, when Schumann’s Lullaby is played and arouses the hearers’ memory of the dead soldier. The cinema’s use of music and memory is brought to greater complexity in the third film, owing to inner monologue, while Rachmaninov’s Second Piano Concerto is adapted to the film’s narrative and becomes film music. Les relations entre les deux concepts sont examinées du point de vue de la figure du deuil. Le film de Huston se réapproprie la scène centrale de la nouvelle de Joyce, lorsqu’une ballade est chantée a capella hors-champ, et réveille le fantôme d’un jeune amant dans la mémoire de l’héroïne. Lubitsch utilise un procédé similaire, lorsque la Berceuse de Schumann est jouée sur le violon du mort et ressuscite son fantôme pour sa famille. Dans le troisième film, ce procédé entre en résonance avec d’autres : le monologue intérieur, et la transposition du Deuxième Concerto pour Piano de Rachmaninov en musique de film. ven., 05 juil. 2024 11:41:52 +0200 mer., 10 juil. 2024 16:04:08 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4695 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2517 The following paper focuses on the work of Edward Hopper and its interaction with the everyday. The everyday is discussed here in terms proposed by Maurice Blanchot as something that escapes, that is elusive and insignificant but acts, at the same time, as a source of significance. I propose to connect Blanchot’s notion of the everyday with the experience of Edward Hopper’s painting. The critics have often remarked that Hopper’s images are unexpectedly remembered in everyday situations outside the context of a gallery and for those familiar with his work, the world tends to look Hopperesque. I argue that his paintings activate the visibility of the everyday beyond its instrumental functionality at moments of apparent unimportance and generate unexpected dialogues between the actual object of perception and the remembered Hopper image. I suggest that such an ephemeral experience of different layers is akin to what Blanchot described as “the elusive everyday”. La contribution suivante considère la peinture d’Edward Hopper dans le cadre du quotidien en partant de la définition qu’en propose Maurice Blanchot : un cadre éphémère et insignifiant qui reste néanmoins marqueur de sens. Si les critiques notent que les images peintes par Hopper peuvent surgir hors du contexte de leur visibilité première, il s’agira de définir ce qui rend « hopperesque » le monde réel à travers le prisme de la peinture de l’Américain. La proposition mettra en évidence les conditions de visibilité définies par les tableaux de Hopper, qui parviennent à mettre en parallèle l’objet perçu et l’image remémorée. C’est le principe premier du quotidien, l’indétermination, tel que mis en évidence par Blanchot, qui sera ainsi observé. ven., 22 nov. 2019 09:27:38 +0100 mar., 26 sept. 2023 16:25:25 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=2517 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4091 Notre contribution interdisciplinaire et collective, associe deux étudiant·e·s de langues et cultures océaniennes inscrit·e·s en 3ème année à l’université de la Nouvelle-Calédonie. Elle se propose d’explorer quelques facettes de berceuses en langues kanak. Notre corpus d’analyse émane du répertoire drehu et nengone en particulier, qui fait partie du patrimoine linguistique des étudiant·e·s et enseignant·e·s-chercheur·e·s. Plus largement, nous le recueillons dans le cadre de nos recherches et de nos pratiques professionnelles en divers contextes. En croisant nos analyses linguistiques, ethnomusilinguistiques et sociodidactiques, notre proposition a pour objectif de décrire les inter-relations que l’on peut observer entre berceuses et langues minorées, mobilités et socialisation, revitalisations linguistiques et identitaires en contexte urbain. Our interdisciplinary and collective contribution associates two students of Oceanic languages and cultures enrolled in their third year at the University of New Caledonia. It proposes to explore some facets of lullabies in Kanak languages. Our corpus of analysis emanates from the Drehu and Nengone repertoire in particular, which is part of the linguistic heritage of students and teacher-researchers. More broadly, we have been collecting it in the context of our research and professional practices in various contexts. By crossing our linguistic, ethnomusilinguistic and sociodidactic analyses, our proposal aims to describe the interrelations that can be observed between lullabies and minority languages, mobilities and socialization, linguistic and identity revitalizations in an urban context. ven., 12 mai 2023 13:55:47 +0200 mar., 20 juin 2023 17:18:55 +0200 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=4091 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=3928 Cet article se concentre sur deux exemples d’émigration en provenance du Trentin (Nord-est de l’Italie) qui ont eu lieu partiellement de manière clandestine. Il s’intéresse à la fois à l’époque de la migration et à la valorisation de la mémoire qui a eu lieu aujourd’hui. Il traite dans un premier temps de l’émigration vers le Brésil qui a eu lieu avant la Première Guerre mondiale et des multiples liens qui unissent aujourd’hui ces deux côtés de l’Atlantique. Il s’attarde ensuite sur l’émigration qui, des années 1920 aux années 1950, conduit un grand nombre de Trentins en France. Il s’agit ainsi de montrer les différences mais aussi les points communs entre ces deux émigrations hier comme aujourd’hui. This article deals with two examples of emigration from Trentino (North-East Italy) that were partially clandestine. It looks how these migrations took place as well as at how this memory creates interest nowadays. It first focuses on the migration that took place towards Brazil before World War 1 and on the several bonds that today unite these two sides of the Atlantic. After Brazil, France, the main destination for Trentini from the 1920s up to the 1950s, is the second case study. The goal is to show the differences but also the common aspects of these two migrations in the past as well as today. mar., 06 déc. 2022 21:44:04 +0100 mer., 21 déc. 2022 23:16:13 +0100 http://preo.ube.fr/textesetcontextes/index.php?id=3928